• Ignacio Mayorga Alzate

El álbum colombiano: 30 trabajos para recordar el 2021



Este año, como siempre, tuvimos una cantidad extraordinaria en todos los géneros musicales que continuaron ratificando el importante lugar que ocupa el país dentro del panorama global musical. Por ello, en medio de la cantidad extensa de lanzamientos, nos dimos a la tarea de encontrar 30 álbumes que nos hayan cautivado a lo largo de este 2021, pues cada vez más artistas emergen y presentan su música. Es importante destacar que no son estos los únicos, sólo algunos que para nosotros resultaron esenciales para nuestra música y para mapear la Colombia sonora del segundo año de la pandemia. Así mismo, estos discos no tienen un orden específico, simplemente responden a nuestro criterio de selección, pero ninguno es superior al otro, por lo que decidimos presentarlos en orden alfabético antes que numerado por un criterio subjetivo. Esperamos que sigan escuchando a estos artista en 2022 y que entren a formar parte de sus repertorios musicales: que los acompañen, los conmuevan y los emocionen tanto como lo hicieron con nosotros. Que se venga el próximo año con toda la nueva música y, ojalá, una situación cultural más amena para nuestros creadores y el público que no deja de creer en nuestras bandas. Al menos, ya volvimos a las tarimas.


Absalon y Afropacífico – De fiesta


El nuevo álbum de la agrupación liderada por Absalon Sinisterra es un homenaje certero a su nombre. De fiesta es una celebración certera a los ritmos del Pacífico norte y Pacífico sur con un cóctel emocionante de expresiones sonoras: porro, aguabajo, rumba, juga, currulao y la mezcla de instrumentos de la academia con el reggae, el rock, la salsa, el jazz y el zuku que le da una salida internacional al proyecto. Es un álbum emocionante lleno de momentos de virtuosa interpretación por parte de una orquesta dinámica y explosiva que se convierte en el mejor vehículo de la voz de Sinisterra. De fiesta es una celebración de la vida y de la vida en un país multi étnico en el que colindan tantas expresiones musicales y tantas culturas que tiñen de colores vivaces nuestra geografía.



Aerophon – Ónix


Luego de dos años de hiato tras la promoción de Horizonte, Aerophon regresó al duelo con un disco que siempre quisieron crear, pero que hasta ahora no habían logrado concretar. “Un mensajito de Ruzto en mi WhatsApp y aquí estamos como en los tiempos de la Fania All Star”, cuenta Frank Tacuma en “Inmortal”, el corte que abre este disco en el que el dúo imbatible regresa. Es un trabajo creado en medio de la pandemia que cristaliza en un álbum de cadencia lenta y profunda con inteligencia lírica y una base instrumental en la que colindan sonidos hipnóticos y elegantes. Son siete cortes en el que Ruzto y Frank Tacuma ratifican cómo fue que reinventaron el hip hop bogotano hacia mediados de la década pasada y por qué siguen siendo una voz clave del sonido urbanita de la capital lírica. Ónix es un álbum de resistencia y gratitud, una confirmación de por qué no podemos huir de nuestro destino, esa senda que nos fue marcada en el momento del nacimiento con polvo de estrellas. Aerophon seguirá siempre y este álbum es la mejor evidencia de que su arte no envejece, pues los clásicos son atemporales.



Ali AKA Mind – Manjit 1


Ali AKA Mind construye en su novena producción discográfica una narrativa concatenada a la historia de un personaje, Manjit, que nació de la lectura de El héroe de las mil de Joseph Campbell. En este disco, Ali se encuentra en un momento más reflexivo, dejando de lado las narrativas del rap de gueto, construyendo una serie de reflexiones pertinentes y universales para cualquier fanático de la música, independiente si puede nombrar a todos los miembros del Wu-Tang o solo ha cantado a Morodo. Es un disco original que no descuida ningún detalle de la producción y encuentra al MC bogotano en uno de sus momentos líricos más poderosos. Ali AKA Mind es una voz imprescindible de nuestro hip hop que se ha mantenido al margen de conversaciones poco pertinentes para construir un sentido poético del que todos pueden nutrirse. Es música plural, de factura precisa y de delicada composición de versos.



Animal Blanco – Pueblos futuros


Una década después de que Andrés Gualdrón presentara su debut musical junto a la manada de sus animales blancos, el músico y compositor vuelve con su primer trabajo solista, en el que el animal blanco inaugural ahora camina solo. Por eso Pueblos futuros se siente más como una reflexión íntima que como un trabajo hacia afuera, es una pequeña ventana al corazón del músico al que somos convidados para recorrer sus caminos, sus miedos, sus complejas imágenes poéticas y su humor tímido. Es un disco delicado y cercano, como si Gualdrón nos hablase mirándonos a los ojos, antes que pensando en un gran auditorio. Recorriendo las formas de la canción de autor, Animal Blanco construye un universo místico y simbólico sobre una guitarra de palo en cuya caja de resonancia durmieron en forma de crisálida las canciones que ahora vuelan libres con frágiles y delicadas alas de colores.



Armenia – Grita - II


Armenia es hoy por hoy una de las bandas principales de la nueva oleada rockera colombiana y en su segundo esfuerzo discográfico prueban su capacidad de reinventarse prontamente en cada lanzamiento. Grita – II es un álbum más reflexivo y políticamente activo que su debut autotitulado de hace dos años y encuentra a la banda jugando con la fuerza del glam ochentero y el rock corporativo á la Journey para construir canciones con sentido, fuerza y un mensaje unificador para un país en crisis. Es un disco en el que Juan Antonio Toro, voz y guitarra, encuentra la mejor manera de colaborar con artistas claves del rock nacional como Oh’laville, Margarita siempre viva y la ingeniera de sonido Francesca Collavini para crear un álbum lleno de guitarras y sonidos digitales depurados con elegancia. Armenia encuentra aquí el balance perfecto entre el rock espectacular con la inteligencia del pop para construir coros y melodías. Es un trabajo de mucha fineza.



Babelgam - ZETA ONCE


El primer álbum de Babelgam es un trabajo convulso que raya en la esquizofrenia sonora para crear un paisaje tan diverso como la localidad de Suba en Bogotá, fuente principal de su inspiración y de donde son oriundos los tres miembros fundadores que sobreviven en la formación actual de la banda. ZETA ONCE tiene en su composición tintes post punk, hyper pop, de industrial, EBM y hasta electro clash en una producción que es áspera, pero cuidadosa. Es una apuesta compleja, sobre todo en la decisión estética de dejar limpias las voces de Juan Tuaty, voz y guitarra, quien nos había acostumbrado a otro sonido en el EP Mar de hiladas. Sin embargo, el contraste entre los sonidos artificiales de las programaciones con la honestidad áspera de la voz líder crea un contraste que no solo enriquece a nivel estético el álbum, sino también en un plano conceptual: Suba es un microcosmos de la sociedad colombiana, es la única localidad que tiene todos los estratos en la capital, por ello este es un disco de antítesis, de némesis, de enfrentamientos y choques. Es una pugna maravillosa que crea un sonido único en el contexto musical colombiano.



Bejuco – Batea


En 2015 nació de las entrañas de Tumaco una planta de gran envergadura que lentamente se ha ido expandiendo para llenar de color el paisaje del Pacífico sur. Bejuco es una agrupación de diez jóvenes talentos que entretejen el sonido del bunde, el bambuco, el juga y demás expresiones de su territorio con lenguajes del afrobeat africano y con la fuerza interpretativa del timbre específico de los cantos de la región del sur nariñense. Bejuco se ha convertido en un laboratorio musical que ha destacado como uno de los principales exponentes de la movida tumaqueña. Su tenacidad implacable asemeja la imagen del mar del Pacífico: fuerte e inabarcable, pero calmo y bailador. El viaje que propone Bejuco en Batea permite la apertura de una nueva estética musical en el territorio del que son originarios: es un esfuerzo de varias voces en el que colindan nuevas identidades, ancladas en un pasado cultural riquísimo que la agrupación está redescubriendo a medida que va dando forma a sus canciones. Bejuco plantea un sonido original y emocionante en el que el se exploran una serie de elementos que le dan un color único a su música de la que la marimba es columna vertebral.



Bella Álvarez - Canciones para una casa chiquita


Nunca mejor nombrada, Bella Álvarez ha construido un álbum de canciones preciosas y precisas en las que demuestra la fuerza de su carácter como compositora y autora. Es un álbum que la lleva por nuevos parajes sonoros, sin que se pierda en este recorrido por tierras nuevas la identidad que la ha caracterizado desde su primer lanzamiento. Canciones para una casa chiquita es un recorrido lleno de amuletos y símbolos personales de la compositora antioqueña, un vistazo a ese lugar que habita y es su piel, su hogar en sí misma. A veces lóbrego y triste, pero siempre bañado por una calidad lumínica única, permitiendo que la luz se cuele por cada una de las incisiones de la madera vegetal en la que habita la cantante. Es un disco sobresaliente. Es un disco para escuchar con calma en el que la cantautora de Antioquia prueba la vigencia de una nueva tendencia musical en la juventud musical colombiana que apuesta por canciones honestas e intimistas, desnudas de máscaras y de capas de sonido.



Briela Ojeda – Templo Komodo


Briela Ojeda es una compositora nariñense que desde hace un tiempo se ha convertido en uno de los nombres claves de artistas de este departamento afianzados en Bogotá. Junto con Filter Fauna, Verbalia, Búha 2030 o Lucio Feuillet, Ojeda se ha hecho un lugar propio en la música alternativa nacional a fuerza de presentar melodías delicadas en su guitarra de palo. Su voz es un monumento delicado a la sensibilidad femenina y se ha convertido en una sola de la amplia línea de compositoras que están redefiniendo la vitalidad de la mujer en nuestro país. Con composiciones naturalistas y gran respeto por lo natural y el mundo invisible que nos condiciona, Ojeda es una fuerza telúrica que encuentra sus canciones en el fondo de la tierra para extraerlas con sus manos desnudas de bruja elemental. Templo Komodo es quizás el lanzamiento independiente más importante del año y ha sido elegido el álbum del año por varios portales de crítica. Tiene sentido: es un trabajo preciosista que encuentra en el centro de la sensibilidad femenina la manera de crear conocimiento universal para todos los que tenemos el privilegio de escucharla.



Búha 2030 – Amoral inmortal


Durante mucho tiempo estuvimos esperando el debut discográfico de la Búha 2030, la banda encabezada por la hipnótica figura de Gabriela Ponce. Desde el lanzamiento de “Fea monosílaba” en 2018 hemos venido recolectando sencillos arcanos para reconstruir el rompecabezas simbólico que propone la banda. El sonido de esta ave mágica es difícil de describir desde las bases instrumentales que componen su extraña formación, desde el saxofón al clarinete tienen cabida en una estética de punk cerebral, jazz experimental, art rock y una fuerza de visceralidad femenina que sangra efluvios de vida y muerte en cada corte. Es el lugar preciso en el que lo erótico se encuentra con lo tanático y ambas son pulsiones que generan profunda emoción. Sin desconocer su denominación geográfica, Búha 2030 entreteje sonidos nariñenses en su propuesta y demuestra por qué Nariño está cada vez más cerca de quedarse con la batuta de liderazgo del sonido alternativo colombiano.


Cruel Cruel – Incendios


A tres años de haber presentado su primer EP, haberse sumergido en la escena alternativa de Bogotá y de un par de cambios en su formación, Cruel Cruel regresó a finales de este año para presentar su anticipado álbum debut, Incendios. A través de esta producción, la banda comparte una nueva identidad y perspectiva sobre su música: un sonido más sólido, canciones seguras de sí mismas y una propuesta de valor capaz de posicionarse en el mercado latinoamericano alternativo. Con una fuerza interpretativa más explosiva y una experimentación con trances sonoros que convierten al sencillo en un viaje introspectivo y emocional, Cruel Cruel se siente más segura de sí misma, aborda el castellano como parte de su propuesta poética y construye una serie de reflexiones lóbregas y melancólicas que se complementan con un sonido ruidoso y oscuro, elegante y nocturno, al que la voz de Ivanna Palacio (Encarta 98, siempre perdida) le imprime un matiz de herida vulnerabilidad y visceralidad combativa única y potente.



Diana Burco – Río abajo


Diana Burco llegó para montar una revolución musical con altura, talento y respeto por la tradición. La joven bumanguesa presentó en 2018 Diana Burco, su primera placa solista que le mereció una nominación al Grammy Latino en la categoría de Mejor Álbum de Cumbia/Vallenato. Sin embargo, su carrera lleva mucho tiempo forjándose entre acordes, desde su primera infancia en la que interpretó el violín y el piano hasta su enamoramiento irremediable con el acordeón y la música tradicional colombiana. De la mano del instrumento de fuelles llegó a recorrer el país y conocer de cerca cómo se crea la cumbia, el vallenato, el porro y la música de tambores de Palenque. Acompañada de su acordeón Burco ha demostrado que hay un lugar importante para la mujer dentro del vallenato y de la cumbia, que hay una sensibilidad para la creación de canciones que enriquece los discursos que se ha convertido en una suerte de música urbana con fuelles en tiempos recientes. Río Abajo es un álbum cargado de matices y armonías, en el que Burco experimenta con sonidos contemporáneos y se une a voces claves de nuestro contexto como Carmelo Torres o Kombilesa Mi, todo con una impronta muy personal y cuidada que convierte a la joven bumanguesa en una compositora de los nuevos sonidos del acordeón.



Encarta 98 - Lo que extrañas ya no existe


Encarta 98 esperó prudentemente durante años para presentar su álbum debut y el resultado es directamente proporcional a la ansiedad del público por conocer Lo que extrañas ya no existe. Durante más de cincuenta minutos la banda emplazada en Bogotá construye un documento melancólico cargado de cortes contundentes y lóbregos. La voz de Ivanna Palacio es delicada y acongojada, jugando con los matices más espectrales de su caja de resonancias para crear canciones delicadas y hermosas que sobrecogen por la fuerza de su honestidad herida. Es un disco en el que, además, podemos ver a la vocalista lucir sus dotes como productora, campo en el que también sobresale. La adición de Sebastián Portilla en la batería también es una apuesta certera, pues el bogotano sabe nivelar su fuerza en los tambores para darle a cada composición lo que requiere, a veces una caricia sopesada, otras una explosión de ruidos metálicos que amortigua el filo de las guitarras. Lo que extrañas ya no existe es un trabajo delicado creado con cariño y paciencia, un álbum sobresaliente que demuestra que nuestra fuerza musical está en la independencia.



Filter Fauna – Filter Fauna


El álbum autotitulado del proyecto de Anderson Lucero es una revisión de los pecados capitales en la que el músico de Ipiales, Nariño, viaja a su propia versión del infierno para volcar su sensibilidad adolorida en cada corte. Filter Fauna es un trabajo creado con emoción en el que el mundo transita distintos géneros que van desde el pop electrónico, al trap e, incluso a la cumbia villera que es popular en su ciudad de nacimiento. Es un álbum inteligente en el que cada canción representa un cuadro de sus propios demonios, dándole un giro a la interpretación obvia que en la cultura occidental se hace de ellos. La voz de Lucero es oscura y coqueta, nocturna y herida, lo que le permite jugar con el ambiente general del disco, sin permitir que la emoción lo sobrecoja para crear cortes sofisticados e hipnóticos, delicadas escenas de un Jardín de las delicias sobre la geografía nariñense. Es un álbum del que no se habló lo suficiente y un artista que representa otras formas de componer de su departamento, sumándose a los artistas que destacamos habitualmente en este espacio editorial. Es un disco sofisticado y de factura delicada. Perfecto para cerrar estas épocas decembrinas.



Ismael Ayende – Ismael Ayende


Con una propuesta que apropiadamente bautizaron como psicosurf andino hace ocho años Ismael Ayende, banda emplazada en Bogotá, ha logrado crear un sonido en el que convergen las sonoridades de la música andina con el frenesí del surf setentero norteamericano. Con dos largas duraciones y dos EP, este contestatario conjunto ha llegado al panorama musical colombiano afianzando una sólida base de seguidores. En 2017 tuvimos las últimas noticias de la banda con el lanzamiento de su segundo EP Los malos espíritus, un trabajo elegante de cuatro cortes en el que empezaban a perfilar una nueva dirección musical. Ahora, cuatro años después de ese lanzamiento esencial, Ismael Ayende regresa con Ismael Ayende, un viraje estético y conceptual en el que abrazan la psicodelia y la música tropical como primera línea de su vanguardia artística. Así, con una nueva alineación, la banda construye también las bases de su nuevo sonido, uno menos explosivo y convulso y más introspectivo y sosegado que, de igual manera, continúa siendo imponente y emotivo.



Jaguar - Madremontes

Con una propuesta influenciada por el zouk, la champeta, la cumbia, el funk y la salsa de los ochenta, este nuevo proyecto de colombianos en Europa empieza a perfilarse como una propuesta para los exigentes bailadores, para todos aquellos que extrañan las verbenas a orillas del mar, mientras el sol de fuego se apaga en el océano infinito de aguas diáfanas. Madremonte, su primer álbum de estudio, es una mezcla de los intereses en común de estos dos amigos que reinventan el territorio desde la antípoda, exacerbando los colores que recuerdan de su geografía y adaptando las formas sonoras que los emocionan a un nuevo contexto urbano. El resultado es un álbum redondo de diez cortes en el que el interés de estas músicas raizales colinda con un sonido y una identidad rockera transversal a todo el recorrido sonoro. Es una reinterpretación elocuente y emocionante, una apuesta sincera por ver las nuevas posibilidades de los sonidos de siempre.



Julio Victoria y la nueva filarmónica – Lo que (se) fue


El nombre de Julio Victoria siempre ha estado en el radar de la escena electrónica, o por lo menos desde hace más de una década cuando Victoria se convirtió en un ícono de la movida nocturna colombiana. El productor y DJ ha tenido correrías épicas en antiguos templos del baile de la capital como Radio Berlín y Billares Londres y ahora hace las delicias en Kaputt, en el que precisamente presentó hace poco este ensamble, una celebración de una carrera dedicada a la electrónica de primera. En él, el DJ y productor hibrida las formas de la electrónica con la interpretación de instrumentos en vivo, demostrando que las formas de este género se pueden estirar, doblar y suspender para crear experiencia reales y duraderas. La música de Victoria sigue sorprendiendo y agradando gracias a un compromiso responsable con la experimentación dentro y fuera del estudio. Este disco así lo demuestra y recoge la experiencia en vivo de lo que fue uno de los conciertos de Shock en el Teatro Mayor Julio Mario Santodomingo, en Bogotá, en el que Victoria sumó a su live act la presencia de músicos filarmónicos, permitiendo que la fuerza de su sonido creciera exponencialmente.



Junn - AOS


Juan Charry es un artista electrónico pereirano que presentó AOS a mediados de septiembre a través de Danza Negra. Este trabajo introspectivo es una reflexión sobre la quietud y la ausencia, una construcción sobre sonidos fiesteros que no encuentran en los cuerpos la forma de amplificar sus ecos. Sonoramente, es una reflexión elegante construida sobre texturas densas y opacas que remite a la nostalgia de la pista de baile, ese lugar en pausa durante una pandemia muy larga. “Reconocernos en la quietud, la colectividad ausente y las noches sin baile ha cambiado la forma en la que habitamos los espacios sonoros. Las multitudes se diluyen en siluetas danzantes, cada una en su espacio reducido. Recordamos el estancamiento de una autopista de éxito plagada de rutas sin salida y aún tenemos en nuestras manos la nostalgia de horizontes que no hemos construído. Las múltiples posibilidades de reconocimiento, abundancia y compañía: los espejismos del mañana.Pero cambia también la linealidad del tiempo, se quiebra. Después de meses de silencio y ruidos que antes no percibíamos, habitamos en simultáneo pasado-presente-futuro”, explica la descripción del álbum en Bandcamp. No podemos sumar mucho más.




Lucio Feuillet – Bailando Bailando


El pastuso Lucio Feuillet encontró la forma de sintetizar los carnavales de la capital de Nariño en un álbum robusto y divertido, una subversión en clave bajtiniana que rompió con el esquema melancólico de nuestra sociedad pandémica, con la gramática del drama y con la tristeza del aislamiento obligado. Bailando bailando es un disco en el que el músico le rinde pleno homenaje a su denominación de origen, ardua tarea que había iniciado con la presentación de su anterior esfuerzo Provinciano y que ahora cristaliza en un jolgorio de vientos, tambores y guitarras andinas que se entretejen con el optimismo vital de Feuillet. Detrás de este álbum hay un estudio juicioso de las formas folclóricas del territorio del sur, pero también una propuesta inquietante sobre lo que puede suceder con estas formas en el siglo XXI. La música es una búsqueda continua por reinventar las formas, no una ruptura radical de las tradiciones, sino una aventura por llevar más lejos el sonido de nuestros ancestros para nuestra semilla futura. Es un esfuerzo loable y el resultado no nos permite quedarnos quietos.



María Cristina Plata – Como el mar


Tres años se tomó la santandereana María Cristina Plata para construir este trabajo de nueve cortes, Como el mar, que empezó su viaje en el Centro Ático de la Universidad Javeriana en 2018. La música y compositora imbuyó su disco con una serie de discursos sonoros que van desde el bolero, vallenato cuerdiado, el pasaje llanero, el bullerengue, la samba argentina y el bossa nova brasileño para construir un espacio lleno de emociones y sentidos que mutan con la fuerza y celeridad de un océano que se transforma bajo el cielo y sus nubarrones. Es un álbum sincero que bebe de la parte más calma del folclor latinoamericano, permitiéndole a la canción ser bálsamo para la emoción y crecer en nosotros con sus varios aires. Es un disco reflexivo y conmovedor que toca cada fibra del corazón con sus arrullos y sus voces. Plata llega en Como el mar a punto climático en su carrera, demostrando que su trasegar solista de década y media ha sido fructífero y la ha llevado a crecer como compositora, intérprete y mujer. Es un álbum cargado de reflexiones maduras, de recetas para la tristeza, de esperanza renovadora. Como el mar prueba que María Cristina Plata es una de las voces femeninas claves de nuestro país. Un disco imprescindible al volver atrás y evaluar este año sonoro.



Meridian Brothers / Conjunto Media Luna – Paz en la tierra


Que este disco fuera a ser brillante era una conclusión aritmética sencilla. Después de todo, Eblis Álvarez es una de las voces más importantes de la movida alternativa bogotana e Iván Medellín uno de sus más adelantados aprendices, aunque sea solo por cuestión generacional, pues ambos son músicos excelsos. Así, es lógico que la unión de Meridian Brothers y el Conjunto Media Luna iría a dar como resultado un álbum musicalmente inquietante, estéticamente contestario y líricamente lúdico. Paz en la tierra es una reivindicación en franca lid del vallenato en su esencia más pura, un género que ha quedado relegado a los márgenes de clase y que, para hacerse un espacio en la cultura contemporánea, se ha visto obligado a hibridarse con hip hop, pop, reggaetón y demás para lograr una posición en las listas. A su manera deconstructiva Álvarez y Medellín le devuelven su dignidad al género y, sobre sus bases rítmicas, construyen una propuesta subversiva que es contestaria al enfrentarse a las dinámicas hegemónicas de la industria musical. Es potente y elocuente, divertido y emotivo.



N. Hardem – Verdor


N. Hardem lanzó a principios del año uno de sus álbumes más personales, en el que queda claro por qué es el MC central de la movida bogotana. Él no lo diría, pues iría en contra de lo que predica en Verdor, un disco en el que se muestra como un aedo emocionado por su arte y al que le vale muy poco lo que otros tienen que decir sobre él. Es un disco construido sobre beats complejos y con rimas inteligentes que se mueven como esgrimistas perfectos: precisas, sopesadas, directo al corazón, del oponente o del escucha. Verdor es una nueva consagración de un rapero que se hizo sobresaliente desde el primer lanzamiento y que sabe que para competir ya ganó el juego. Por tanto, decide reinventarlo, establecer nuevas reglas que él mismo rompe en cada compás, sobre cada barra, en cada retazo de poesía urbana que lega en sus canciones. Es un álbum cargado de los sonidos de sus viejos, de guaguancó, de jazz vieja escuela, de la cultura colombiana afro. Son viajes introspectivos y emotivos, son poemas hipnóticos que reivindican a una voz cada vez más poderosa en nuestra mitología musical.


Noiseferatu y Zábaz – Funkferatu


Este junte estaba esperando darse y fue el pandémico 2020 el que propició que dos de los nombres claves del hip hop under colombiano unieran fuerzas en un disco oscuro, reflexivo, rabioso y explosivo. Sobre los beats de boombap noventero de Zábaz, Noiseferatu (antes Rapiphero) permite que sus reflexiones filosóficas se entretejan con su espíritu callejero. El auto proclamado gamín erudito explora así una serie de tópicos que van desde el insomnio a la identidad paisa, pasando por el orgullo patrio, las dinámicas del hip hop competitivo y la literatura universal. Es un disco que sobresale principalmente por las líricas que plantea Noiseferatu, pero es claro que estas solo se podrían haber logrado sobre las pistas que plantea Zábaz en términos de producción, pues son las que le permiten al verbo respirar, tomar fuerza, volar bien alto y explotar como magma ardiendo sobre el éter. Es un esfuerzo de dos cerebros que compaginan muy bien y una colaboración necesaria para el lado más oscuro de nuestro hip hop. Es corrosivo.



Petrona Martínez – Ancestras


El adagio popular reza que uno no le enseña al papá a hacer hijos. Pero todo eso es parte de una narrativa machista que desconoce que, sobre todo en este país, la madre lo es todo. Si no lo creen déjenle no solo a la madre sino la abuela del bullerengue Petrona Martínez que les enseñe cómo se hace un disco desde lo más profundo del corazón. Ancestras es la reunión de voces y acentos en torno a la figura de esta mujer fundamental para nuestra música afro y encuentra a Martínez colaborando con su familia, sus hijas, y su familia extendida, hermanas de otras latitudes, en cortes emocionantes que son, además, un ars poetica de su ejercicio como compositora e intérprete. Es un esfuerzo vital que nace del mismo lugar del que llegó Anónimas y resilientes, un álbum clave para el bullerengue colombiano, y un reconocimiento más para una de las voces más importantes de nuestros ritmos raizales. Plantea la peligrosa pregunta de qué sucederá una vez Martínez no esté, pero la senda está trazada y el camino es luminoso: con ella como guía el ritmo aún tiene espacio para seguir creciendo y siendo parte fundamental de nuestro arraigo cultural.




Pirineos en llamas - Soliloquio


Pirineos en llamas es una banda de rock alternativo que se formó a finales del 2019 como parte del importante proceso de las nuevas bandas antioqueñas del país. Uniéndose a las líneas de Margarita siempre viva, Volcán o Hipsum, este nuevo cuarteto paisa llegó pisando fuerte para demostrar que su sonido tiene un espacio en el ruido coral de la alternativa musical colombiana. Con Soliloquio la banda empezó a generar una conversación en torno a su proyecto, permitiendo que más personas se contagiaran de la fuerza interpretativa de las canciones y una inteligencia lírica fatalista que nos agarra por el lado más débil de nuestras nostalgias. Es un rock poderoso que mezcla varios lenguajes de la alternativa para construir una propuesta única y vital que les permite competir en la primera línea con bandas de mayor trayectoria. Aunado a eso, la banda posee una inteligencia audiovisual importante que la hace distinguir por encima de la mayoría de los actos indie con videoclips de fina factura y conceptos complejos.




Quantic y Nidia Góngora – Almas conectadas


Almas conectadas es el segundo álbum en el que el renombrado productor británico Quantic une esfuerzos con la cantaora del Pacífico Nidia Góngora. Lleno de arreglos sinfónicos, este nuevo disco explora la tradición única y mística de la Costa Pacífica colombiana, de la que Góngora es guardiana cultural declarada por la UNESCO. El disco fue grabado en Selva, el estudio en Brooklyn del productor europeo. Así, el corazón creativo de ambos se une en un proyecto mutuo, luego de estar conectado por más de una década de amistad que inició cuando Quantic vivía en Cali y trabó relación con Góngora. La única forma en la que estas colaboraciones funcionen es que ambas partes entiendan y respeten el oficio del otro y esto es precisamente lo que ha logrado este dúo, pues Quantic ha venido estudiando la música folclórica colombiana desde su primera colaboración en el proyecto Ondatrópica hace más de una década. Es una composición vibrante y emocionante que no busca una explosión para crear una atmósfera bailable y divertida. Es la unión de dos corazones que laten al unísono para este proceso creativo y una evidencia de que la música conecta almas a pesar de las diferencias lingüísticas, pues este álbum es capaz de conmover a cualquier escucha.




Ruzto – Instrumentales vol.3


Después de su disco de beats instrumentales de 2018, regresa con el tercer volumen de sus producciones como productor. Fue un año movido para el MC y productor bogotano que revivió a Aerophon junto a Frank Tacuma con el magnífico Ónix y se unió a Soul AM para Manglar, también lanzado en el marco de estos doce extraños meses. En Instrumentales vol. 3, presentado a principios de diciembre, el bogotano se permite jugar con producciones extrañas que construye sobre bases de jazz, funk, salsa y demás ritmos que acompañan sus ratos de escucha solitaria y que se cuelan en sus trabajos más reconocidos, dándole una identidad propia a cada uno de los proyectos que emprende. Es una instantánea del alma musical de Ruzto en estos momentos y una prueba más de sus virtudes como creador, esta vez como el científico loco de beats introspectivos e hipnóticos. Es una parte de su creación que tiende a dejarse de lado cuando se habla de su trabajo, pero Ruzto sobresale también en este campo y construye piezas sofisticadas para apetitos particulares. La mayor parte de este artículo se hizo escuchando Instrumentales vol. 3: es necesario decirlo.




Semblanzas del río Guapi – Voy pa’ allá


Hablar de Semblanzas del río Guapi implica, necesariamente, irse a lo más profundo de la selva del manglar para buscar la raíz acuática de un sonido cargado de historia. La banda, fundada hace más de una década, se ha convertido en una institución del Cauca configurada por más de una decena de músicos tradicionales que recurren a los sonidos del bambuco, la juga, el buga o el arrullo para seguir construyendo una historia de resistencia cultural en la que sobrevive el discurso de los primeros palenques solitarios de los cimarrones fugados, aquellos que tuvieron que encontrar un punto en común en sus discursos musicales al haberse confundido su ascendencia geográfica en todos los complicados procesos de colonización de nuestro territorio. Así, Semblanzas del rio Guapi se ha configurado como un acto de supervivencia discursiva cargada de una alegría resiliente y honesta que permite que la plétora cultural de nuestro país tripartita se mantenga viva a pesar de la influencia foránea de las músicas que vienen desde el mainstream global. Recogiendo desde su nominación las formas discursivas del territorio, este juego de acentos y voces que es Voy pa’ allá le da visibilidad a uno de los proyectos esenciales del Pacífico colombiano, una banda que ha aprendido a la fuerza a crear con sus propias manos el resguardo musical que habita.




Señor Naranjo – El malestar burgués


La historia del punk de Medellín no estaría completa sin la figura vital de Señor Naranjo. El proyecto liderado por Felipe Naranjo le ha dado sofisticación retórica a un discurso muchas veces plano, de dialéctica pandita y nihilista sin credo. Sus letras están llenas de elegantes metáforas, sus melodías llevan mucho más lejos la lógica de los tres acordes y siempre, siempre, cada lanzamiento ofrece una reflexión para el alma, una filosofía mundana que es mucho más inquietante de lo que aparenta. Este año el proyecto de Medellín presentó El malestar burgués en el que Felipe Naranjo no es ya mentado como “señor” de manera irónica, sino que demuestra que su identidad adulta les da un sentido más complejo a sus canciones que, además, fueron producidas por su hijo. En este último trabajo Señor Naranjo apuesta por un sonido más robusto y coquetea con nuevas formas de su arte, creando un cóctel emocionante y rico en texturas y retórica. Es un lanzamiento irónico, inteligente y musicalmente sofisticado.




Varios artistas - Mangle Rojo


Mangle Rojo es el nuevo proyecto de Bánfora Records luego de que en 2020 editara el último esfuerzo de Inés Granja, titulado Remembranzas. Este nuevo sueño que reúne las voces del Caribe y el Pacífico colombiano es posible gracias a la Beca para la consolidación de nuevos modelos de negocio cultural y creativo del Programa Nacional de Estímulos de Mincultura 2020, con el que Bánfora Records pudo producir esta aventura. Uniendo dos litorales de la geografía colombiana, Mangle rojo resulta en una exploración de los nuevos lenguajes del folclor, en los que conviven las ancestrales enseñanzas de los abuelos con sonidos contemporáneos de los nuevos lenguajes musicales. Todo esto cristaliza en un álbum de ocho canciones inéditas que también se convierte en un vinilo de colección. Allí, nombres claves como Nelda Piña e Inés Granja unen sus voces con nuevos actores como Son de la provincia y Deimar Pio Molina para crear un documento que respeta la tradición, pero que apunta a los nuevos lugares a los que pueden llegar nuestros sonidos raizales.



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