Este año tuvimos una cantidad extraordinaria en todos los géneros musicales que continuaron ratificando el importante lugar que ocupa el país dentro del panorama global musical. Escogimos veinte canciones que van del ska al punk, del rock electrónica a las reinvenciones folclóricas, de la salsa al hip hop. Es importante destacar que no incluimos en este listado ninguna de las canciones consignadas en paquetes musicales antes reseñados durante nuestros conteos. Así mismo, les recordamos que no son estas las mejores ni mucho menos las únicas, sólo algunas que para nosotros resultaron esenciales para nuestra música. Esperamos que las sigan bailando en 2018 y que entren a formar parte de sus repertorios musicales, que los acompañen, los conmuevan y los emocionen tanto como lo hicieron con nosotros. ¡Feliz navidad!
Los Elefantes - “Perro”
Hugo Corredor y Pablo Miranda llevan ya un tiempo tanteando a la audiencia colombiana y latinoamericana con el que será su nuevo álbum de estudio. “Perro”, estrenado a principios de 2017, encuentra a la genial orquesta en su momento más jazz y swing. Grabado en Audiovisión, su nuevo álbum será el proyecto para premiar la fidelidad de los fanáticos, quienes llevan más de dos décadas acompañándolos. Con la dirección insigne de Miranda y la cadencia provocadora de la voz de Corredor “Perro” se proyecta como un nuevo himno que ya hemos tenido oportunidad de tantear en vivo, con excelentes resultados. Siguiendo la línea bufa y el desparpajo de cada una de sus canciones, Los Elefantes siguen siendo una orquesta única en el panorama del ska latino: nunca ha sido la política o la crítica social su prerrogativa, sino la diversión y la experticia musical. Con su nueva producción de estudio, esta vital orquesta continuará ratificando su lugar clave en la movida del ska latino, sólo podemos esperar que, ahora en tiempos de milagros decembrinos, su nuevo álbum llegue pronto: “ven a nuestras almas, ven no tardes tanto”.
Pablo Trujillo - “Súper fuerte”
“Casi siempre, casi siempre, menos es más” canta el compositor Pablo Trujillo en el pre coro de su última grabación de estudio, “Súper fuerte”. El sencillo que lo ha llevado a la rotación radial en emisoras independientes es la primera producción del joven músico luego de su importante presentación este año en las tarimas de Rock al Parque. “Súper fuerte” fue coproducido por Ernesto Santos, quien durante un tiempo estuvo presionando para que se atreviera a salir de su zona de confort y se aventurara por nuevas direcciones. A través de una celebración de lo mundano, Trujillo logra construir una declaración poderosamente evocadora, sin recovecos líricos confusos sino a través de un mensaje directo que genera un profundo sentido de pervivencia. Aunque se pudiera extrañar hasta cierta medida la grandilocuencia de la guitarra de composiciones anteriores como “Jaguar”, lo cierto es que en “Súper fuerte” Trujillo ha aprendido las mejores lecciones de la música pop y ha encontrado una vez versada en la composición de estribillos, de melodías cautivadoras que se convierten en un tarareo inconsciente, como las canciones que permanecen por más tiempo con nosotros.
Totó la Momposina y Hugo Candelario - “La Paloma”
Dos grandes de las músicas folclóricas unen esfuerzos en el primer sencillo de Ojo de agua, un álbum editado por Acento Mestizo (sello independiente recién estrenado y que seguramente nos llenará de gratas sorpresas en los meses venideros) en el que Totó la Momposina, Grupo Bahía y la Orquesta de Lucho Bermúdez, una joya que tendremos en nuestras manos en 2018. Mientras esperábamos esta conjunción de fuerzas en octubre recibimos esta primera ofrenda en la que a dos voces Candelario y Totó ratifican su lugar en el folclor contemporáneo de nuestro país. La sección de vientos es sobrecogedora y los arreglos en la marimba del maestro y líder del Grupo Bahía matizan la ardiente explosión de ritmos con su evocación de río. La voz de Totó está intacta y resuena como el eco de una montaña inmemorial, como un monumento de todo lo que es, ha sido y serán los ritmos del Pacífico. “La Paloma” vuela alto entre las nuevas músicas y le recuerda a toda una generación de artistas de dónde venimos.
Cohetes - “Amanecer”
Ha sido un vuelo corto, pero de grandes distancias recorridas para Cohetes. El proyecto solista de Juan Pablo Pulido, ex líder de 8KMS, lleva poco tiempo en el espectro musical colombiano y ya ha logrado importantes hitos con los que muchos creadores nacionales sueñan durante años, algunos nunca lo consiguen. Cerrando el ciclo del 2017 Cohetes presentó “Amanecer”. Abriendo sobre un motivo cargado de sintes, la voz de Pulido se abre nítida entre percusiones digitales y rasgueos de guitarra llenos de elegancia pop. Cargada de motivos poéticos tomados del mundo natural como los cuerpos celestes o los fenómenos cargados de energía destructiva como el huracán o la avalancha, “Amanecer” se presenta como un consciente lamento sobre los excesos emocionales de la noche anterior. La incertidumbre es la imagen que guía el tema, la ansiedad por saber qué va a pasar, el desconsolado anhelo por ordenar todo el caos que circunda a la voz protagonista del corte.
Púter - “Rata embotellada”
Este conjunto necesario del punk bogotano nos regaló, por fin, su primera producción de estudio. Disco I que llegó en febrero fue el reconocimiento a una audiencia fiel que ha acompañado a la banda de Sergio González durante tanto tiempo en bares y venues de la movida under. “Rata embotellada” no es plenamente punk sino más bien rockera e irónica, aprovechando el lenguaje del pop para lograr un corte de dos minutos sobre la traición, el desamor y las tusas etílicas que se desprenden de este proceso doloroso. Púter es un acto clave del punk nacional y su disco nos llegó como una sorpresa maravillosa. Aunque no sabemos a ciencia cierta cuándo retomarán sus actividades musicales, sólo podemos esperar que sea pronto, pues su proyecto ha sido esencial para una escena fértil y llena de canciones emocionante, vitales, estruendosas. Ahora más que nunca dependemos de estos ritmos para soportar la anodina existencia diaria y “Rata embotellada” aporta una cuota necesaria para esta música que en 2017 fue riquísima en nuestro país.
Consulado Popular - “Qué rico”
Desde “Me mamé” de 2015 esperamos cualquier nuevo lanzamiento del Consulado Popular, la banda más irreverente y sin embargo de las más serias del contexto musical colombiano. Desde hace algunos meses la banda ha venido presentando en vivo una composición que hará parte de su nueva placa discográfica, Me Orino en la Ducha y me Orino en la Piscina, llamada “Qué rico”. La canción es un juego de alusiones y sobreentendidos a la mejor manera del humor que caracteriza al sexteto bogotano. “Qué rico” tiene una carga rockera que se contrapone con fuerza a un diálogo entre la trompeta y el acordeón de Mauricio Cruz y Camilo Rivera. El arribo de “Qué rico” marca el regreso musical de una banda que en el último año ha venido enfocándose en proyectos culturales más allá de la promoción de su música propia. Ciertamente es refrescante encontrarse de nuevo con música de una banda que no tiene pelos en la lengua, incluso después de esta canción, y que ha marcado el camino para una nueva generación de creadores que no han llegado a la música para hacer reverencias ni homenajes, sino que está preocupada por la creación y promoción de contenido fresco, contestatario, vital. Qué rico es saber que a pesar de su ajetreada agenda el Consulado Popular entiende que se tiene que tomar un respiro y disfrutar de la vida, de la manera en que nos lo han enseñado.
Ultrágeno - “Lo que tengo”
Para romper el silencio sólo hace falta abrir la boca. O, en el caso de Ultrágeno, rasgar la garganta con un alarido ensordecedor. Después de quince años sin nuevas producciones ─¿cómo olvidar esa joya de la angustia de principio de milenio que fue Código fuente?─ y diez años desde su última presentación en vivo, la banda liderada por Amós Piñeros ha regresado al ruedo con sus colores característicos y ha estrenado, a través de Radiónica, su canción “Lo que tengo”. La producción es un corte visceral que esperamos se cristalice en una nueva producción discográfica. “Lo que tengo” recoge el sonido que caracterizó a la banda en la incipiente escena del hardcore capitalino hace casi dos décadas. La batería de Juan Camilo Osorio marca el compás del galope extremo del tema, mientras que la voz de Piñeros ─ahora más rica de sentido poético─ emana como del fondo de una fábrica abandonada, llena de oscuros laberintos de óxido y humedad. A nivel simbólico “Lo que tengo” parece indicar el regreso del enérgico cuarteto: “Fue necesario mucho trecho para volvernos a encontrar”, ruge Piñeros antes de una intrusión de su violín renacentista. Ahora que el destino los ha reunido de nuevo, más sabios, pero no cansados, sólo podemos esperar que su experiencia recogida en una década nos permita, en tiempos futuros, conocer muchas más canciones de Ultrágeno.
Los Pirañas - “Del sol, a 18 minutos”
Eblis Álvarez, Mario Galeano y Pedro Ojeda son tres de los músicos más prolíficos de la movida neo cumbiera de la capital colombiana. Versionando de manera libre “A 18 minutos de sol” de Luis Alberto Spinetta, el trío bogotano logra crear un instrumental potente y rumbero que se desprendió de La diversión que hacía falta en mi país de 2016. Con un video psicodélico cargado de imaginería que recuerda el cine de serie B (a la manera de “Uy qué miedo” de Los Elefantes), el conjunto se permite el ser cuan bromista como le es posible y encuentra la manera de mantener la atención de una pieza musicalmente compleja y exigente que, a pesar de todo, rebosa de vida y emoción. A cuarenta años de la publicación original de Spinetta, Los Pirañas le han presentado al fallecido “Flaco” y a su legado musical un homenaje perfecto que seguramente sería de todo el agrado de la leyenda argentina. Quizás debido a la promoción de ¿Dónde estás, María? de los Meridian Brothers, banda que lidera Álvarez, este álbum no resultó con más sencillos, lo que resulta una verdadera lástima a la luz de que es una de las producciones más emocionantes del año pasado.
iglū - “Mar”
Integrado por Felipe Ortega (Ságan) y Pablo Trujillo, este dúo combina la técnica de composición en guitarra de Trujillo con la inteligencia en el área de las programaciones y la producción de Ortega para crear un hermético sonido cargado de bajos y melodías hipnóticas, un refugio perfecto para el frío que azota cuando nadie más hay cerca. A principios de diciembre, sin una explosión mediática escandalosa y casi de manera silenciosa, el dúo presentó “Mar”, primera composición que hará parte de un EP a estrenarse el próximo año y cuyo nombre desconocemos. “Mar” es la canción más lenta de esta nueva y misteriosa faceta de ambos músicos y se integrará con otras cuatro o cinco producciones que verán la luz el próximo año. En la canción la voz de Trujillo parece divagar sobre una bruma helada, mientras que las programaciones de Ortega lo van guiando por entre la niebla polar hacia un océano por el que pueda escapar de la soledad.
Urdaneta - “Distancia y vejez”
En 2016 un quinteto formado por músicos bogotanos influenciados por la movida alternativa en Londres y Nueva York presentó desde su sede capitalina un EP titulado Siglo XXI. Después de haber presentado “Escrito” en 2017, la banda volvió a sumergirnos en su hipnótico sonido con “Distancia y vejez”, canción que se desprende de su primer larga duración Azul parcial, un lanzamiento que promete revitalizar una escena que empieza a tornarse pesada y que cada vez más, a la luz de la movida continental, requiere de propuestas frescas, avanzadas, inteligentes. Urdaneta es todo esto y mucho más. Bebiendo de una serie de influencias que no les preocupa ocultar, el conjunto construye sobre un camino bien labrado por Cerati o Spinetta y reinventa las bases de su rock de tinte psicodélico con una propuesta sonora sin par en el territorio nacional. “Distancia y vejez” combina acertadamente el compás de la chacarera argentina y el folclor andino con una guitarra transdimensional y una línea de bajo que traza figuras bajo un cielo de neón.
Salt Cathedral - “Always There When I Need You”
Nicolás Losada y Juliana Ronderos han creado una de las duplas más interesantes del panorama musical colombiano. Radicados en Brooklyn, Nueva York, este par de creadores han construido un sonido especial en el que convergen referencias del dancehall, el indie pop, el dream pop, el pop electrónico y una depurada consciencia de la elegancia tropical que se espera de los productos nacionales pero que, en las manos de este par de artistas alcanzan dimensiones insospechadas, mágicas, ensoñadoras. Con “Always There When I Need You” la banda continuó adelantando el esperado lanzamiento de su álbum debut Big Waves/Small Waves, una placa que seguramente transformará el juego de la música electrónica en el país. El sencillo es un canto de amor esperanzado, una celebración a una relación idílica en el que ambas partes crecen en conjunto, construyendo un proyecto mutuo lleno de risas, historias y besos tiernos. La voz de Ronderos tiene un color especial que hace que cada una de sus entregas resulte un viaje al rincón más ameno del mundo de los sueños y no precisa de una sobre producción musical para crear un corte excepcional y lleno de mística.
Surcos - “Esta vez”
El proyecto liderado por Juan Felipe Ochoa por fin nos presentó este año su primera placa discográfica y con ella llegó este sencillo cargado de finas melodías de guitarra. Surcos ha logrado construir una estética única en el panorama musical colombiano que apuesta por lo acústico y los delicados arreglos del indie folk, sin embargo el sonido que resulta de esta mezcla de cuerdas, acordeón y percusión es una potente explosión rítmica que invita tanto al baile como a la reflexión. “Esta vez” está hecha de momentos, de altibajos anímicos que se traducen en melodías elegantes y llenas de vida que cobran vida y se potencian con el esfuerzo coral de los miembros de la banda, quienes acompañan a Ochoa en su voz y guitarra. Es inquietante sentir cómo se van aproximando y alejando los protagonistas de la orquesta: a vez el acordeón de Sofía Montenegro apenas se intuye en el oído y luego se hace con el poder guía para devolvérselo a Ochoa en las segmentos más íntimos, lo mismo sucede con la percusión, que es a veces latido apagado como lo es luego galope preciso. Surcos ha crecido mucho con los años y, esta vez, todos se enamorarán de su apuesta sofisticada y honesta.
La Mamba Negra - “El sabor de la guayaba”
“El sabor de la guayaba” es un acto fe. Desde que Jacobo Vélez y su orquesta presentara el corte de El Callegüeso y su Malamaña en 2015 venía fraguándose un audiovisual que le hiciera pleno homenaje a las historias de la salsa y la vida nocturna que le dan su sabor mágico a la Sucursal del Cielo. El clip recientemente presentado muestra las peripecias que tiene que atravesar el Callegüeso para escapar de Pedro Navaja y Juanito Alimaña, personajes del folclor salsero ideados por Rubén Blades y Hector Lavoe décadas atrás. El Callegüeso, interpretado con sagacidad por el propio Vélez, encontrará el auxilio de “Lulo”, un legendario taxista de la capital del Valle que ha transportado a grandes personajes de la movida del género en su viejo Chevrolet, para salir librado en esta aventura en el que el Diablo y la Muerte también juegan un importante papel. “El sabor de la guayaba” es en realidad un homenaje a “Lulo” y a los taxistas, vehículo lleno de historias donde convergen por instantes fugaces los más variopintos personajes. Como “Buscando guayaba” de Rubén Blades, la canción de Vélez y sus músicos se convierte en una excusa para honrar lo propio, la identidad que construye el peso de nuestras tradiciones.
The Kitsch - “Lámeme todo”
El garage tiene su lado sensual en el último clip de The Kitsch… bueno, quizás no. A pocos días del momento más importante de su carrera, hasta la fecha, como teloneros nacionales de Green Day en el Parque Simón Bolívar, la banda de Albert Medina presentó el audiovisual que acompaña a “Lámeme todo”, parte de su primer álbum de estudio Amor a primera vista de 2016. La canción es una descarada invitación a llevar los límites del cuerpo más allá de las convenciones sociales y una despreocupada sátira de lugares comunes que, en manos de The Kitsch, se convierte en una mofa a la mojigatería de l a moral social latinoamericana. Recordando a Lux Interior de The Cramps en sus momentos más lúbricas, “Lámeme todo” encuentra en su frontman al emisor perfecto. En el clip dirigido por Carlos Patarroyo, dos miembros de la banda que este año cumplió cinco años de ruido y energía se dejan dominar por un ejército de jovencitas en una fiesta de quince. Untados de pastel, sangre y carne, los protagonistas del video demuestran que con una banda como The Kitsch todo es susceptible de ser transgredido, incluso la imaginería asociada al color rosa.
Oh'laville - “Magia negra”
Oh’laville es una banda que se toma en serio. Por eso es que cada nueva entrega de la banda resulta en un deleite estético; ya sea por la fina factura de cada una de sus nuevas composiciones musicales o por el inquietante clip que acompaña a dichos lanzamientos. “Magia negra” presenta la evolución musical de uno de los proyectos más inquietos del panorama musical colombiano, un grupo de amigos dedicado a pulir las texturas de su arte con el fin de alcanzar la perfección. El corte es ciertamente más oscuro que sus anteriores producciones, parece apuntar a una nueva dirección en la atmósfera musical de la banda, la cual ya empezaba a intuirse con el lanzamiento del EP Un desfile de esqueletos, pero que solo develaremos a plenitud conforme recibamos su nuevo álbum. Por lo pronto, sin embargo, parece claro que la banda, como los magos expertos, entiende que la única forma de seguir creciendo es a través de la disciplina exhaustiva. Como los orantes de Shangó, los integrantes de Oh’laville parecen poder escuchar más allá de lo que los oídos mortales permiten. Y su música es mejor por eso.
Ali a.k.a Mind feat. Ata - “Invadiendo los proyectos”
Una de las características más esenciales del hip hop es que nunca olvida de dónde viene, cuál es la historia detrás de un país sin fronteras construido sobre rimas, beats y barras. Por eso el nuevo lanzamiento de Ali a.k.a Mind es tan poderoso: porque honra la historia de dos monumentos claves del género más polifacético del siglo XX y reconoce su influencia en la proyección que ahora tiene el MC colombiano a nivel internacional. Por un lado, está el reconocimiento a la cuna del hip hop, Nueva York, meca obligada para todos los rimadores que han hecho de contar historias un arte. Por el otro, y el que sentimos más cercano, está el homenaje que Ali realiza a Ata de La Etnnia, banda fundacional del hip hop nacional, leyenda viva con más de veinte años de historia. Ambos rimadores unen esfuerzos en una canción que nos recuerda la importancia de conservarse firme en la tarea que nos ha sido encomendada, en respetar nuestra lengua y cultura para, así, poder llegar a concretar hitos con los que siempre habíamos soñado. "Invadiendo proyectos" también nos habla de cómo las influencias pueden ser retroactivas y las culturas pueden dialogar entre sí para generar proyectos más ricos en pluralidades y resonancia, que lo latino también tiene algo para aportar al discurso polifacético del hip hop global.
Systema Solar - “Mi Caribe”
Sumando ya diez años de gozadera y buen humor, la banda regresa con su última producción audiovisual, un corte que se desprende de Rumbo a Tierra y que, como cada nuevo lanzamiento del Systema, se proyecta como un himno definitivo de la rumba nacional e internacional. “Mi Caribe” es una celebración de la idiosincrasia de las regiones costeras y caribeñas de nuestro país. Cargada de sonidos afrocaribeños en los que colindan la champeta y el bullerengue con expresiones más modernas tomadas de los ritmos electrónicos y el hip hop, “Mi Caribe” se presenta como una poesía picotera lista a explotar todas las pistas de baile de Barranquilla a Nueva York y de San Basilio a Tokio. Con un audiovisual dirigido por Juan David y la Bones Crew, Systema Solar logra combinar a través de la magia de la pantalla verde toda una serie de imaginario asociado a esta hermosa pero damnificada región. Y es que nuestro Caribe es gastronomía, alegría callejera y siempre un pulgar arriba. Con esta canción de la banda más prendida de la galaxia celebramos que, a pesar del egoísmo y la corrupción, siempre habrá una razón para bailar.
Los Pangurbes y el Ciudebelo - “Surgir”
En el argot del campo del sur del Cauca la palabra “Panguano” significa “indio”, “ordinario”, “toche”, “tosco”, “brusco”, “inculto”, “ignorante” y, en general, una serie de calificativos asociados a la chabacanería y las malas costumbres. Con los fenómenos migratorios de nuestra realidad geográfica, muchos de los actores del agro colombiano se han visto obligados a migrar hacia la urbe, muchas veces sólo conservando su folclor y tradiciones para recordar su denominación de origen. En ese sentido Los Pangurbes terminan siendo algo así como los “Indios de Ciudad”, jugando acertadamente con esa carga peyorativa que tiene la población indígena desde la centralidad discursiva que tiene la metrópoli. Los Pangurbes Y El Ciudeblo desarrollan una propuesta sonora con una identidad arraigada en el Cauca, el sur y norte del Pacífico que se entreteje con sonidos provenientes del legado afro, como es la timba, o en un contexto más contemporáneo, el funk y el hip hop. “Somos la alegría negra, la malicia indígena y el recuerdo blanco de la memoria” explica la banda como carta de presentación, un sonido en el que colindan todos los fenómenos del mestizaje de raza y cultura que define al colombiano promedio, un diálogo entre contradicciones que resulta en una belleza anímica y espiritual como ninguna otra.
Nanpa Básico feat. Foyone - “Esquela”
El pasado 29 de agosto Colombia, España y el mundo conoció a través de todos los servicios de streaming “Esquela”, una oscura colaboración entre Nanpa Básico y Foyone. El diálogo entre el colombiano y el español encuentra a ambos MCs explorando los lugares más oscuros del alma humana. El tema es una disección quirúrgica de todas las formas de traición, desde la romántica hasta la que cometen aquellos más cercanos a nuestros afectos y que, como Judas, nos venden por un par de monedas y nos apuñalan por la espalda. La canción nació como un diálogo transatlántico entre ambos rimadores, que logró concretarse con una reciente visita del español a la capital colombiana. El tema producido por AlkaProduce es su salto transatlántico hacia el viejo continente, una colaboración que buscará abrir una puerta en el país de los Violadores del verso, Sharif, SFDK y El Chojin. “Esquela” es la prueba última del virtuosismo lírico de los creadores nacionales, de la inteligencia estética que somos capaces de construir cuando tenemos claro el norte de nuestro arte. Con cada nueva producción Nanpa se reinventa, se transforma y nos abre los espacios de cada uno de los rincones de su alma.
Ságan - “Cada paso”
Después de su álbum debut Cada Célula Ságan se ha consagrado como uno de los proyectos más interesante de la nueva ola de creadores nacionales. Este año, además de una serie de remixes de este primer trabajo discográfico en el que participaron varios nombres prominentes de la electrónica local, el dúo ha empezado a presentar los primeros adelantos de su segunda producción de estudio. Hace algunos meses recibimos el primer regalo con “Todo”, una canción que explora más directamente los sonidos del pop global, conservando el ingenio en producción que caracteriza el sólido de Ságan. Esta mañana, además del sol, nos ha sido ofrendado “Cada paso”, un corte de tempo lento en el predominan las programaciones electrónicas sobre las que Gutiérrez se riega con el dulce bálsamo de su voz. “Cada paso” es una delicada mixtura de sonidos que se concatenan con una armonía exacta y elegante que la convierte en una joya musical. Ságan ha crecido exponencialmente, como una onda concéntrica que nace desde el centro de un lago, para tocar todas las orillas. “Cada paso” es una evidencia de esta nueva etapa que emprende la banda, una reinvención pulida y ordenada que continúa demostrando la potencia de este par de artistas.
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